绘画的精进(艺术家视觉思维进阶指南)
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作者南希·雷纳
出版社江苏凤凰科学技术出版社
ISBN9787553790350
出版时间2018-06
装帧其他
开本16开
定价56元
货号30175814
上书时间2024-07-04
商品详情
- 品相描述：全新
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作者简介
南希·雷纳，画家、作家、教师和设计师。成长于美国费城，分别获得了美国罗德岛设计学院的美术学士学位和哥伦比亚大学的美术硕士学位，现居于美国圣菲。雷纳写过多本绘画相关书籍，参加过美国HGTV电视节目，还出版了许多DVD教程。
方川一，曾先后在俄罗斯圣彼得堡列宾美术学院、首都师范大学美术学院学习，编著有《艺术阿尔比努斯解剖图谱》，并有《新版牛津艺术词典》《一生的较量》《架上绘画修复》等多部翻译作品出版。
目录
目 录
引言 04
第一章 概要 09
在这个部分，您将熟悉本书常用的一些艺术术语和定义，以便更好地领悟书中的内容。
概念1：理解绘画 10
概念2：左脑思维与右脑思维 12
概念3：视觉张力 16
概念4：面对你的观众 20
概念5：两极相吸 21
概念6：80 ∶ 20 法则 22
概念7：写实与抽象 24
概念8：绘画的过程 27
第二章 玩耍阶段 29
要开始作一幅画，得考虑方方面面的事情。这一部分讲的就是这些事，此外，这部分也有助于你从一开始就做出明智的选择，以便取得最好的成果。
可控的作画过程 30
灵活的作画过程 33
选择合适的媒材 36
选择合适的底材 38
如何将多样性最大化 40
用右脑作画 43
第三章 批评阶段 47
这部分是本书的核心，讲的是“观看游戏”，这是一种综合而系统的批评方法，艺术家们用这种方法来评估画作以便进一步改进和提高。
观看游戏 48
质询1：三大要素 50
质询2：表面质感 58
质询3：四角调转 62
质询4：入口与出口 66
质询5：分区与象限 70
质询6：焦点 74
质询7：设计和运动 78
质询8：空间深度 84
质询9：热点 90
质询10：画完了吗？ 94
第四章 有用的绘画解决方案 99
这部分是通过广泛探讨色彩来提供解决绘画常见问题的方案。其中前三种解法是对第三章讲述的观看游戏的精简。
解法1：批评的四步快捷方法 100
解法2：批评快捷列表 102
解法3：反义词 103
解法4：调出完美的颜色 104
解法5：传达你的绘画信息 114
第五章 给艺术家的红利 121
对艺术家职业生涯的额外建议，如何克服创作瓶颈，如何展示你的作品，厘清你的思路，跳出框框寻找新的灵感。
话题1：观看、展示和镶框 122
话题2：走出创作瓶颈 126
话题3：发掘新想法 130
话题4：批评案例 132
话题5：批评小组 135
话题6：以绘画为业 138
索引 140
关于作者 142目 录
引言 04
第一章 概要 09
在这个部分，您将熟悉本书常用的一些艺术术语和定义，以便更好地领悟书中的内容。
概念1：理解绘画 10
概念2：左脑思维与右脑思维 12
概念3：视觉张力 16
概念4：面对你的观众 20
概念5：两极相吸 21
概念6：80 ∶ 20 法则 22
概念7：写实与抽象 24
概念8：绘画的过程 27
第二章 玩耍阶段 29
要开始作一幅画，得考虑方方面面的事情。这一部分讲的就是这些事，此外，这部分也有助于你从一开始就做出明智的选择，以便取得最好的成果。
可控的作画过程 30
灵活的作画过程 33
选择合适的媒材 36
选择合适的底材 38
如何将多样性最大化 40
用右脑作画 43
第三章 批评阶段 47
这部分是本书的核心，讲的是“观看游戏”，这是一种综合而系统的批评方法，艺术家们用这种方法来评估画作以便进一步改进和提高。
观看游戏 48
质询1：三大要素 50
质询2：表面质感 58
质询3：四角调转 62
质询4：入口与出口 66
质询5：分区与象限 70
质询6：焦点 74
质询7：设计和运动 78
质询8：空间深度 84
质询9：热点 90
质询10：画完了吗？ 94
第四章 有用的绘画解决方案 99
这部分是通过广泛探讨色彩来提供解决绘画常见问题的方案。其中前三种解法是对第三章讲述的观看游戏的精简。
解法1：批评的四步快捷方法 100
解法2：批评快捷列表 102
解法3：反义词 103
解法4：调出完美的颜色 104
解法5：传达你的绘画信息 114
第五章 给艺术家的红利 121
对艺术家职业生涯的额外建议，如何克服创作瓶颈，如何展示你的作品，厘清你的思路，跳出框框寻找新的灵感。
话题1：观看、展示和镶框 122
话题2：走出创作瓶颈 126
话题3：发掘新想法 130
话题4：批评案例 132
话题5：批评小组 135
话题6：以绘画为业 138
索引 140
关于作者 142
内容摘要
《绘画的精进》以回答艺术家最常见的两个问题：“这幅画现在是什么？”和“这幅画完成了吗”为出发点，提供了一种独特新颖的自我批评方法，能够给予正在进行油画、水彩、丙烯和素描学习和创作的画者以正确的指导，对自己的作品进行自我评估和批评，从而帮助其确定风格并解决其绘画中所遇到的难题。《绘画的精进》一书的作者通过36节艺术创作课，200多种图解、提示，近100幅国内外大师代表作品的剖析讲解，来促进读者深化理解、提升绘画技术、提高视觉思维方法，从而创作出属于自己的完美画作。《绘画的精进》以回答艺术家最常见的两个问题：“这幅画现在是什么？”和“这幅画完成了吗”为出发点，提供了一种独特新颖的自我批评方法，能够给予正在进行油画、水彩、丙烯和素描学习和创作的画者以正确的指导，对自己的作品进行自我评估和批评，从而帮助其确定风格并解决其绘画中所遇到的难题。《绘画的精进》一书的作者通过36节艺术创作课，200多种图解、提示，近100幅国内外大师代表作品的剖析讲解，来促进读者深化理解、提升绘画技术、提高视觉思维方法，从而创作出属于自己的完美画作。
精彩内容
概念1:理解绘画请让我们先从总体上来审视艺术，好以此开始我们的讨论。美的定义常被人用来当作评判艺术的方法；然而美的定义却是善变的。曾经被视为好艺术的，后来可能却被看作坏艺术。英国艺术史学家昆廷·贝尔（QuentinBell）在他的著作《坏艺术》（BadArt）中提出过一个观点，认为品位与风格会随着时代而改变，先流行起来然后再变得过时。根据时下的品位所做的判断，可能更多地关乎经济与政治，而非艺术。贝尔写道：\"\"艺术品经销商要满足的客户，并不像80年前的人们那样会被莫测高深的'现代性'吓倒--实际上，这种'现代性'正是他们想要的东西。因此，经销商可能会去找些年轻的男男女女，这些人有没有天赋不要紧，但必须得会耍点噱头，得有点能够取悦精英的新鲜玩意儿。\"\"他接着又说，\"\"可是当我们的青年艺术家再长大点儿的时候，他或她可能就再也找不出什么新花样儿了……这对艺术家来说是严酷的，但市场就是这个样子。\"\"那么，用美的定义来评判一件艺术作品是否就是不可能的？美是否真的掌握在观看者的眼里？对于艺术品来说可能存在美的标准吗？贝尔写道，好的艺术是通过\"\"有意味的形式和造型的和谐\"\"创作出来的。英国维多利亚时代有位重要的艺术批评家约翰·罗斯金（JohnRuskin），他曾说过，伟大艺术与一般艺术之间的差别并不在于处理手法、表现风格或者题材的选择，而是在于画家为之努力的\"\"目标之高尚\"\"。
可是我们怎么才能实现贝尔所说的\"\"有意味的形式和造型的和谐\"\"？我们又怎么评估罗斯金的\"\"目标之高尚\"\"？在这本书里，我要应对的是怎样才能定义并掌握形式，以及造型或空间的和谐。我赞同罗斯金的是，艺术家要取得更好的成就，不应试图顺应当下潮流、市场或大众喜好，而应以更强的原创性为目标，通过创作展现独一无二的自己。艺术为艺术家提供了一种将信息传达给观众的手段。一件艺术作品会通过三种手段传达艺术家的信息，它们是：艺术家的想法、精神或个性以及媒材的表达。在这三个方面做出恰当的选择，艺术家有可能创作出理念独特、个性鲜明、媒材富有表现力，而且可能是前所未有的作品来。
在多种多样的艺术形式中，艺术家可以选择最适合自己意愿的一种。绘画、雕塑、视频或表演艺术--每种形式都会向艺术家提供自己独有的特性。随着时间的推移，画家们不断地拓展着绘画的界限与定义。当代绘画已经发展出了多种超越绘画经典概念的分支。当代的艺术机构与博物馆中也收纳了装置类艺术作品、非永久性绘画作品（用冰或风之类转瞬即逝的材料所作）以及用电脑和视频等新技术创作的艺术作品。
而对于这本书来说，我还是要将视野聚焦在绘画的经典定义上来：画在二维表面上的图画。对一本当代书籍来说，这似乎是种不同寻常的选择，但缩小范围可以让我们更为深入地探索概念。
经典或传统意义上的绘画有一种特质，它可以利用我们的眼睛玩一些错觉的把戏。在二维的平面上，我们会误以为体验到了三维的物理空间。画家可以在此操纵空间维度，诱导观众的眼光落入空间的深处，掠过前方的表面，或在深处与表面之间游弋徘徊。借助这种空间的错觉感，画家可以用巧妙的手法将某些已存在的事物凸显出来，让观众以一种崭新的概念1:理解绘画请让我们先从总体上来审视艺术，好以此开始我们的讨论。美的定义常被人用来当作评判艺术的方法；然而美的定义却是善变的。曾经被视为好艺术的，后来可能却被看作坏艺术。英国艺术史学家昆廷·贝尔（QuentinBell）在他的著作《坏艺术》（BadArt）中提出过一个观点，认为品位与风格会随着时代而改变，先流行起来然后再变得过时。根据时下的品位所做的判断，可能更多地关乎经济与政治，而非艺术。贝尔写道：\"\"艺术品经销商要满足的客户，并不像80年前的人们那样会被莫测高深的'现代性'吓倒--实际上，这种'现代性'正是他们想要的东西。因此，经销商可能会去找些年轻的男男女女，这些人有没有天赋不要紧，但必须得会耍点噱头，得有点能够取悦精英的新鲜玩意儿。\"\"他接着又说，\"\"可是当我们的青年艺术家再长大点儿的时候，他或她可能就再也找不出什么新花样儿了……这对艺术家来说是严酷的，但市场就是这个样子。\"\"那么，用美的定义来评判一件艺术作品是否就是不可能的？美是否真的掌握在观看者的眼里？对于艺术品来说可能存在美的标准吗？贝尔写道，好的艺术是通过\"\"有意味的形式和造型的和谐\"\"创作出来的。英国维多利亚时代有位重要的艺术批评家约翰·罗斯金（JohnRuskin），他曾说过，伟大艺术与一般艺术之间的差别并不在于处理手法、表现风格或者题材的选择，而是在于画家为之努力的\"\"目标之高尚\"\"。
可是我们怎么才能实现贝尔所说的\"\"有意味的形式和造型的和谐\"\"？我们又怎么评估罗斯金的\"\"目标之高尚\"\"？在这本书里，我要应对的是怎样才能定义并掌握形式，以及造型或空间的和谐。我赞同罗斯金的是，艺术家要取得更好的成就，不应试图顺应当下潮流、市场或大众喜好，而应以更强的原创性为目标，通过创作展现独一无二的自己。艺术为艺术家提供了一种将信息传达给观众的手段。一件艺术作品会通过三种手段传达艺术家的信息，它们是：艺术家的想法、精神或个性以及媒材的表达。在这三个方面做出恰当的选择，艺术家有可能创作出理念独特、个性鲜明、媒材富有表现力，而且可能是前所未有的作品来。
在多种多样的艺术形式中，艺术家可以选择最适合自己意愿的一种。绘画、雕塑、视频或表演艺术--每种形式都会向艺术家提供自己独有的特性。随着时间的推移，画家们不断地拓展着绘画的界限与定义。当代绘画已经发展出了多种超越绘画经典概念的分支。当代的艺术机构与博物馆中也收纳了装置类艺术作品、非永久性绘画作品（用冰或风之类转瞬即逝的材料所作）以及用电脑和视频等新技术创作的艺术作品。
而对于这本书来说，我还是要将视野聚焦在绘画的经典定义上来：画在二维表面上的图画。对一本当代书籍来说，这似乎是种不同寻常的选择，但缩小范围可以让我们更为深入地探索概念。
经典或传统意义上的绘画有一种特质，它可以利用我们的眼睛玩一些错觉的把戏。在二维的平面上，我们会误以为体验到了三维的物理空间。画家可以在此操纵空间维度，诱导观众的眼光落入空间的深处，掠过前方的表面，或在深处与表面之间游弋徘徊。借助这种空间的错觉感，画家可以用巧妙的手法将某些已存在的事物凸显出来，让观众以一种崭新的方式看到它们。也就是说，绘画可以改变观众的感知，让他们去探索自己的思维与信念。
画家们太容易在冲动之下给自己的作品扣上\"\"坏\"\"或\"\"一文不值\"\"的帽子并将其弃置，结果又只会在下一幅画中与相同的问题不期而遇。我相信，只要肯花时间以批评的眼光检视作品，每幅画作都能得到提升。为了达到这个目的，画家需要掌握解决问题和对有改进余地的作品进行自我分析的实际方法。第三章讲到的观看游戏就向你提供了一些客观评价自己作品，辨识可能的问题并解决这些问题的方法，让你不必浪费时间和精力去做那些无效的好坏判定。本书要做的是让你找到方法，创作出于你而言完美的画作。
概念2:左脑思维与右脑思维我们大脑的两个半球--左脑和右脑--有着不同的思维方式、思维能力和思维活动。在诸如阅读、会话、写作、归类、编辑和评判之类的行为中，左脑指挥着我们的批评思维和分析思维活动。而我们的右脑则具有创造性、空间性，且不受时间影响，能使我们进入\"\"全神贯注\"\"的状态。
左脑主要负责我们的安全。它利用的是存储于大脑最早发育部位的最初存活经验，它像恐龙一样思考。它让我们免于陷入那些可能被认为有危险的活动中，在我们执行任务时只鼓励我们进行最小限度的行动，这样我们就能时刻保持警惕，一分一秒也不分神。左脑会做出快速的现场决断，速度快到足以做出继续行动是否安全的判断。譬如，当我们沿着公园的小径行走时，左脑会迅速判断出沿路栽种的高而优美的树木都是直的。我们的左脑评估出没有一棵树像要倒下来的样子，并判断继续行走是安全的。然而我们的右脑会享受树的变化与个性，乐于隐喻，把每棵树想象成一位迎风飘摆的美丽舞者。概括事物的共性是左脑的工作；洞察生活中的特异与个性则是右脑的工作。一般来说，我们可以把左脑称作我们的分析器官，把右脑称作我们的创造器官。
流行的观点认为我们需要用右脑来进行艺术创作。这有一定的道理，因为右脑对形象的细节、运动、戏剧性和非同寻常之处有着更为敏锐的观察力。用左脑来作画可以确保所有的树都画得笔直，所有物品都四平八稳地排成一排，但不幸的是，这很无趣。我们的右脑更长于冥想之术，它可压制\"\"心猿\"\"--克制左脑的喋喋不休--使我们得到需要的平静。在《作画的自然之道》（TheNaturalWaytoDraw）中，基蒙·尼古拉季斯（KimonNicola?des）指出，我们在右脑支配下创作的艺术可以多些创造性，少些审慎。专门讲凭借右脑进行创作的书还有许多，其中值得注意的两本是贝蒂·爱德华兹（BettyEdwards）的《用右脑作画》（DrawingontheRightSideoftheBrain）和米歇尔·卡苏（MicheleCassou）的《生命、绘画与激情》（Life,PaintandPassion）。
从左脑切换到右脑我们大多数的日常行为都是受左脑支配的。左脑喜欢控制，因此不可避免地总会由它来开始所有的任务。当左脑受到过度挫折而不能完成某项特定任务的时候，右脑便会接替左脑来工作。对画家来说这就意味着，在你开始作画时，你的行动是由左脑发动的。记住，左脑并不乐于绘画，它会凭借它的自然天性认为这是种危险的行为，左脑方式看到它们。也就是说，绘画可以改变观众的感知，让他们去探索自己的思维与信念。
画家们太容易在冲动之下给自己的作品扣上\"\"坏\"\"或\"\"一文不值\"\"的帽子并将其弃置，结果又只会在下一幅画中与相同的问题不期而遇。我相信，只要肯花时间以批评的眼光检视作品，每幅画作都能得到提升。为了达到这个目的，画家需要掌握解决问题和对有改进余地的作品进行自我分析的实际方法。第三章讲到的观看游戏就向你提供了一些客观评价自己作品，辨识可能的问题并解决这些问题的方法，让你不必浪费时间和精力去做那些无效的好坏判定。本书要做的是让你找到方法，创作出于你而言完美的画作。
概念2:左脑思维与右脑思维我们大脑的两个半球--左脑和右脑--有着不同的思维方式、思维能力和思维活动。在诸如阅读、会话、写作、归类、编辑和评判之类的行为中，左脑指挥着我们的批评思维和分析思维活动。而我们的右脑则具有创造性、空间性，且不受时间影响，能使我们进入\"\"全神贯注\"\"的状态。
左脑主要负责我们的安全。它利用的是存储于大脑最早发育部位的最初存活经验，它像恐龙一样思考。它让我们免于陷入那些可能被认为有危险的活动中，在我们执行任务时只鼓励我们进行最小限度的行动，这样我们就能时刻保持警惕，一分一秒也不分神。左脑会做出快速的现场决断，速度快到足以做出继续行动是否安全的判断。譬如，当我们沿着公园的小径行走时，左脑会迅速判断出沿路栽种的高而优美的树木都是直的。我们的左脑评估出没有一棵树像要倒下来的样子，并判断继续行走是安全的。然而我们的右脑会享受树的变化与个性，乐于隐喻，把每棵树想象成一位迎风飘摆的美丽舞者。概括事物的共性是左脑的工作；洞察生活中的特异与个性则是右脑的工作。一般来说，我们可以把左脑称作我们的分析器官，把右脑称作我们的创造器官。
流行的观点认为我们需要用右脑来进行艺术创作。这有一定的道理，因为右脑对形象的细节、运动、戏剧性和非同寻常之处有着更为敏锐的观察力。用左脑来作画可以确保所有的树都画得笔直，所有物品都四平八稳地排成一排，但不幸的是，这很无趣。我们的右脑更长于冥想之术，它可压制\"\"心猿\"\"--克制左脑的喋喋不休--使我们得到需要的平静。在《作画的自然之道》（TheNaturalWaytoDraw）中，基蒙·尼古拉季斯（KimonNicola?des）指出，我们在右脑支配下创作的艺术可以多些创造性，少些审慎。专门讲凭借右脑进行创作的书还有许多，其中值得注意的两本是贝蒂·爱德华兹（BettyEdwards）的《用右脑作画》（DrawingontheRightSideoftheBrain）和米歇尔·卡苏（MicheleCassou）的《生命、绘画与激情》（Life,PaintandPassion）。
从左脑切换到右脑我们大多数的日常行为都是受左脑支配的。左脑喜欢控制，因此不可避免地总会由它来开始所有的任务。当左脑受到过度挫折而不能完成某项特定任务的时候，右脑便会接替左脑来工作。对画家来说这就意味着，在你开始作画时，你的行动是由左脑发动的。记住，左脑并不乐于绘画，它会凭借它的自然天性认为这是种危险的行为，左脑会想让你迅速画完，还会用尽各种招数让你停止作画。因此在我们作画的时候，最好意识到这一点，就是在绘画的过程中应尽早将左脑切换为右脑。这种切换通常是自然发生的，特别是对那些有经验的画家而言，但有时它对初学者来说却是种挑战。
在左脑向右脑切换的时候，有时会出现创作障碍，因为这时会钻出一些毫无益处的想法，比如，我是不是用了太多的颜料？还有更重要的事要干！我并不擅长于此，等等。但随着经验的积累，我们将学会忽视左脑让我们停止作画的企图。你只要继续画下去，左脑就会渐渐意识到让你放弃是徒劳的，也就会任由右脑接替它的工作。这样你就能成功地实现切换了！
在你持续作画的过程中，左脑会时不时地回归，确保你并没有处于危险之中。一旦你画到得心应手的时候，左右脑切换对你创作能力的影响就会越来越小。左右脑交替的时候，你可以试着分辨一下左脑对你使的那些小把戏。关于在作画时如何更多地让右脑占据支配地位，可以从第43页开始看我给出的一些关于右脑作画的提示。
从左脑切换到右脑，不仅对从事绘画活动的艺术家来说十分重要，对于观看画作的观众也同样重要。在观众观看你的作品时，如果鼓励他们从左脑切换到右脑，他们也会获得更丰富的观看体验。这个概念在本书中有着核心的地位，它在你评估和批评自己画作的过程中起着决定性的作用。把自己放在观众的位置上，我们就能用这里的方法来引导观众进行左右脑的切换。会想让你迅速画完，还会用尽各种招数让你停止作画。因此在我们作画的时候，最好意识到这一点，就是在绘画的过程中应尽早将左脑切换为右脑。这种切换通常是自然发生的，特别是对那些有经验的画家而言，但有时它对初学者来说却是种挑战。
在左脑向右脑切换的时候，有时会出现创作障碍，因为这时会钻出一些毫无益处的想法，比如，我是不是用了太多的颜料？还有更重要的事要干！我并不擅长于此，等等。但随着经验的积累，我们将学会忽视左脑让我们停止作画的企图。你只要继续画下去，左脑就会渐渐意识到让你放弃是徒劳的，也就会任由右脑接替它的工作。这样你就能成功地实现切换了！
在你持续作画的过程中，左脑会时不时地回归，确保你并没有处于危险之中。一旦你画到得心应手的时候，左右脑切换对你创作能力的影响就会越来越小。左右脑交替的时候，你可以试着分辨一下左脑对你使的那些小把戏。关于在作画时如何更多地让右脑占据支配地位，可以从第43页开始看我给出的一些关于右脑作画的提示。
从左脑切换到右脑，不仅对从事绘画活动的艺术家来说十分重要，对于观看画作的观众也同样重要。在观众观看你的作品时，如果鼓励他们从左脑切换到右脑，他们也会获得更丰富的观看体验。这个概念在本书中有着核心的地位，它在你评估和批评自己画作的过程中起着决定性的作用。把自己放在观众的位置上，我们就能用这里的方法来引导观众进行左右脑的切换。
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