人文通史
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作者[美]詹尼特·勒博·本顿[美]罗伯特·笛亚尼
出版社中信出版社
ISBN9787508671802
出版时间2017-02
装帧平装
开本其他
定价88元
货号1201753636
上书时间2024-08-18
商品详情
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作者简介
詹尼特·勒博·本顿（Janetta Rebold Benton）
美国艺术史学家，佩斯大学艺术史特聘教授，主攻中世纪和文艺复兴时期艺术史，著有《中世纪动物园》（1992）、《神圣恐惧》（1997）、《中世纪艺术的材料、方法与杰作》（2009）和《意大利文艺复兴的艺术和建筑，1280—1580》（2017）等，曾主持纽约卡托纳艺术博物馆的“中世纪怪兽展”和纽约大都会艺术博物馆的“中世纪雕塑展”。
罗伯特·笛亚尼（Robert DiYanni）
美国人文学者，纽约大学兼职教授和教学顾问，教授的课程有文学、写作与批判性思维等。他先后获得新泽西州立大学艺术学学士，纽约城市大学英语语言文学博士学位。他在多所学校和教育、出版机构任顾问，并且著有多部人文学教材，包括《现代美国诗人》（1993）、《斯克里布纳写作手册》（2003）、《文学：小说、诗歌与戏剧入门》（2006）、《心智结构》（2008）、《伟大散文百篇》（2010）、《艺术与文化：人文学导论》（2011）和《皮尔森批判与创新思维指南》（2014）等。
目录
前 言 / V
绪 论 / 001
章 史前时代与早期文明的艺术与人文 / 025
节 人文曙光：史前时代 / 027
第二节 文明初现：美索不达米亚的艺术与人文 / 032
第三节 质朴稳固：古代埃及的艺术与人文 / 043
第四节 史前时代与早期文明的遗产 / 060
第二章 开创与典范——古代希腊的艺术与人文 / 063
节 爱琴文明 / 065
第二节 古希腊历史与人文 / 072
第三节 古希腊的遗产 / 103
第三章 继承与发扬——古代罗马的艺术与人文 / 105
节 伊特鲁里亚文化和艺术 / 107
第二节 古罗马历史与人文 / 113
第三节 古罗马的遗产 / 142
第四章 犹太教、基督教和伊斯兰教——古代中东三大宗教的艺术与人文 / 145
节 犹太教与基督教 / 147
第二节 伊斯兰教 / 172
第三节 犹太教、基督教与伊斯兰教的遗产 / 181
第五章 从黑暗到光明——中世纪的艺术与人文 / 183
节 历史背景 / 185
第二节 罗马风格 / 193
第三节 哥特式风格 / 203
第四节 中世纪文学、哲学与音乐 / 215
第五节 中世纪晚期的意大利 / 225
第六节 中世纪的遗产 / 232
第六章 人文主义重现——文艺复兴前期的艺术与人文 / 235
节 历史背景 / 237
第二节 文艺复兴前期的意大利 / 239
第三节 文艺复兴前期的欧洲北部 / 259
第四节 文艺复兴前期的遗产 / 271
第七章 天才涌现与创作爆发——文艺复兴后期的艺术与人文 / 273
节 历史背景 / 275
第二节 文艺复兴后期的意大利 / 276
第三节 文艺复兴后期的北欧 / 295
第三节 文艺复兴时期的科学、宗教与哲学 / 305
第四节 文艺复兴后期的音乐与文学 / 313
第五节 文艺复兴后期的遗产 / 321
第八章 华丽庄重的巴洛克时代——17世纪的艺术与人文 / 323
节 历史背景 / 325
第二节 意大利、西班牙巴洛克艺术 / 331
第三节 北欧巴洛克艺术 / 343
第四节 巴洛克时代的音乐与文学 / 355
第五节 巴洛克时代的遗产 / 362
第九章 优雅和激进并存的启蒙时代——18世纪的艺术与人文 / 363
节 历史背景 / 365
第二节 小巧精致的洛可可艺术 / 371
第三节 新古典主义的兴起和成就 / 381
第四节 启蒙时代的文学 / 393
第五节 启蒙时代的遗产 / 398
第十章 浪漫主义、现实主义的双重奏——19世纪上半叶的艺术与人文 / 401
节 浪漫主义时代的特征和哲学 / 403
第二节 浪漫主义艺术成熟 / 406
第三节 现实主义艺术与文学 / 433
第四节 19 世纪上半叶的遗产 / 439
第十一章 突破与更新——19世纪下半叶的艺术与人文 / 441
节 历史背景 / 443
第二节 19 世纪下半叶的艺术 / 449
第三节 19 世纪下半叶的文学 / 476
第四节 19 世纪下半叶的遗产 / 481
第十二章 诡谲多变的20世纪（上） / 483
节 两次世界大战与动荡的世界 / 485
第二节 20 世纪上半叶的艺术与人文 / 491
第三节 20 世纪上半叶的遗产 / 523
第十三章 诡谲多变的20世纪（下） / 525
节 冷战阴影下的世界历史 / 527
第二节 20 世纪下半叶的艺术与人文 / 531
第三节 20 世纪下半叶的遗产 / 564
第十四章 新世纪的忧思与盼望 / 567
节 新世纪17年回顾 / 569
第二节 新世纪的哲学与科学 / 571
第三节 新世纪的艺术 / 576
第四节 21世纪初期的遗产和对未来的展望 / 596
附 录 / 599
致 谢 / 617
时间轴 / 619
内容摘要
从史前时代的岩洞壁画、早期文明的巨大陵墓，到古典时代的希腊建筑和罗马雕塑；
从基督教和伊斯兰教的造型艺术到中世纪高耸入天的哥特式建筑和精巧细致的手抄本；
从文艺复兴的天才大爆发到巴洛克、洛可可、古典主义、浪漫主义交相辉映；
从敢于突破传统的印象派画家莫奈和现代主义小说家卡夫卡到新世纪的迪拜高塔和北京“鸟巢”……
《人文通史》叙述的内容涵盖从史前到21世纪各个历史时期的历史、哲学、宗教、文学、绘画、雕塑、音乐、建筑、戏剧等领域，包含近400幅高清艺术作品图片，是一本内容翔实、浅显易懂的人文艺术入门指南。
主编推荐
人文之光，使人成为人。写给大众的经典人文通史入门书。美国培生教育出品，多所大学指定人文学教材。涵盖绘画、雕塑、建筑、音乐、舞蹈、戏剧、电影、历史、文学、哲学和宗教等人文领域，包含近400幅艺术作品高清图片
一、写给大众的经典人文通史入门书。人文之光，使人成为人。美国培生教育出品，多所大学指定人文学教材。
二、内容涵盖绘画、雕塑、建筑、音乐、舞蹈、戏剧、电影、历史、文学、哲学和宗教等人文领域，包含将近400幅艺术作品高清图片，内容详实，浅显易懂。
三、普及人文常识、提升艺术修养、启发知性思考、开阔文化视野和贯通古今历史，有很大的价值。英文原书特色板块完整保留，内容规划更加合理。正文包含78个“优选视野”，在主线叙述之余多元呈现同时期亚洲、非洲、大洋洲及拉丁美洲各地的人文艺术成就。还有31个“知识亮点”带领读者聚焦历目前一些重点人物和重要作品，加深印象。还有81处“思考”，以问题的形式参与到阅读过程中。
四、重点呈现重要事件和人物，对重要文化艺术品和文化现象详细解析。比如古希腊建筑的三种柱式、哥特式教堂的装饰、但丁诗歌的神学意蕴、伦勃朗画作的颜料和技巧、萨特和波伏娃的哲学观点，以及当代思想家对科技与伦理关系的探讨等，都进行思考，在求知的同时也能收获思维的乐趣。
精彩内容
绪论：为什么要学习人文通史？
人文通史展示了最具有代表性和最有活力的人类成就—它们反映了我们自史前时期人类社会开始以来取得的成就。它包含文明史上最为重要的发展：绘画、雕塑和建筑等多种多样的艺术形式；文学、戏剧和音乐的出现；哲学以及宗教的创见，塑造了全世界无数人的思想和行为；以及对这些事件的历史研究等。其中也包括各种工具的创造、语言的发明、写作的发展和社会组织结构的构建，这使得人类各种文化和不同文明时期的出现成为可能。
我们还必须认识到自然科学和社会科学在艺术与人文领域的演进过程中所扮演的重要角色。科学和技术的进步使得制造诸如小提琴和钢琴一类的乐器成为可能。这些进步也使绘画和雕塑中利用不同材料及手段的技法的出现成为可能，也同样为建筑领域中建造从大教堂、摩天大楼到剧院和奥林匹克运动场等不同类型的建筑提供了各种新的可能性。科学、技术和工程学都与最近出现的艺术媒介，例如照相、摄影和电脑辅助艺术等，有着紧密的联系。
人文通史蕴含褒贬，为我们指出难题与挑战所在，它们也会提出各种问题。人文通史是关于对话、辩证研究和辩论的各种主题。它们提供解释，激发思考，并使人们团结一致。由人文通史兴起并考虑的问题包括基本的人类需要和价值观，关于信仰和怀疑、痛苦与欢乐、好奇与困惑以及生与死的问题。人文通史关系我们每一个人，因为它帮助我们理解自身以及他人。
因而，人文通史有益于思考。而且，人文通史也有益于作为思考的工具。通过对艺术、文学、音乐等工作的深入研究，我们能够引发思考、探索、怀疑与想象。通过与各门类艺术作品、历史文献以及宗教哲学文本的相遇，我们增长了分析和解释的能力，还能发展出逻辑化、深刻化的思维能力。人文通史还能够激发我们的想象力，培养我们创造与批评质疑的能力，为我们提供了与他人交流共有经验的机会。
人文通史也非常适宜用来体验—直接地体验美术与建筑、文学和历史、哲学与宗教、电影与摄影、戏剧、音乐以及舞蹈。我们对一些艺术作品和人文通史文本的体验需要独自进行。我们可以观看一件艺术品，阅读一本小说、一篇哲学论著、一首诗、一篇戏剧文本或是一部宗教经文，聆听一首歌或一部交响乐的录音，观看一部电影或一组摄影作品。独自地，只有我们自己。我们也可以在他人的陪伴下做这些事情—参观博物馆，参加音乐会，观看电影或戏剧，出席宗教仪式，或是分享对于文学、哲学以及宗教学作品的心得体会等。
意大利文艺复兴时期的政治思想家马基雅维利（Niccolo Machiavelli，1469—1527）用穿着古代服装的方式结交希腊和罗马的哲学家，之后又退回到他自己关于古典文献的研究中。当他阅读柏拉图（Plato，前427—前347）、爱比克泰德（Epictetus，约55—135）、索福克勒斯（Sophocles，约前496—前406）、塞涅卡（Seneca，约前4—前65）以及许多其他希腊罗马时期作者的作品时，他既是孤身一人，也是有所陪伴的。他想象着自己在和这些人进行交流，沉浸在至今还被我们参与的某个讨论中，正如我们也通过马基雅维利的《君主论》（The Prince）和《罗马史论》（Discourses）等作品与他本人进行着交流一样。
在马基雅维利之后的几个世纪，梭罗（Henry David Thoreau，1817—1862）在他最受赞誉的作品《瓦尔登湖》（Walden，1854）中，描述了他如何在阅读古代作品和去瓦尔登湖周围散步的过程中迎来每一个清晨。他在湖水中沐浴时，想象着自己正与较早前的文明时代进行对话，将自己与那些通过在印度恒河中沐浴以求净化灵魂的人联系在了一起。当观看并描写红色和黑色蚂蚁之间的残酷斗争时，梭罗想到了荷马史诗《伊利亚特》（Iliad）中的古希腊战士，将蚂蚁之间血淋淋的撕扯与古希腊和特洛伊战士们相比。
马基雅维利和梭罗都诠释了人文通史既可以是一种孤独的追求，又可以成为社会化的交流。这两位作家和思想者将他们的观点与他人分享，作为顾问的马基雅维利向掌握权力的政治人物进言，梭罗则通过公开演讲来表达他的想法。同时，他们都写下了影响后世的著作：马基雅维利的《君主论》是文艺复兴时期论述如何获得并保有统治权的指南；梭罗的《瓦尔登湖》则指引着人们遵循内在深层次的准则来生活，它深刻地影响了列夫·托尔斯泰、圣雄甘地以及马丁·路德·金等许多后来者。
那么，我们是否可以说这就是人文通史的价值了呢？这对那些享有了人文通史荣光和财富的人又增添了何种裨益？艺术为想象之物提供了表现形式，表达了人类的信仰与情感；艺术创造了美；艺术感动、劝诫并愉悦着我们。艺术是在特定的情境中存在的—所谓的情境包括历史和文化、宗教信仰和哲学思想。考虑到这一系列的情境，艺术深化了我们的理解，并丰富了我们对生活的体验。
让我们通过讨论来解释人文通史实现这些崇高目标并带给人们财富和愉悦的某些准则。
一、艺术
艺术像由它所创造的文化一样具有多样性。人文通史中的其他学科—比如历史、文学或哲学—或许能够被精确地定义，而在艺术领域却并非如此。事实上，对于“艺术是什么”这一基本问题，我们通常不能找到某一种特定的答案让每个人满意。“什么是爱”这样的问题或许可以与之相比，因为其答案也同样是难以确定、难以具体化并非常个人化。每个人给出的定义都可能是独具一格的，又或是人云亦云的—这个问题本身或许就是艺术的魅力之一。
按照使用的媒介，艺术可以被分为绘画、雕塑和建筑几大类。在艺术史的各个不同时期，一种或几种占据了统治地位。例如，建筑是中世纪晚期最具有统治性的艺术形式，但到文艺复兴时期，绘画则占据了先锋地位。
（一）艺术的用途
除了装饰性用途，艺术还有着十分广泛的存在意义。例如，艺术长久以来都与政治结盟，视觉形象被用以建立政治上的权威。古埃及法老那尔迈王（Narmer）就深谙此道，罗马皇帝奥古斯都（Augustus）也同样如此。法国国王路易十四和拿破仑也不例外。然而，艺术同样被许多艺术家用来表达政治与社会的抗议，其中包括西班牙的戈雅（Francisco de Goya，1746—1828）、英国的贺加斯（William Hogarth，1697—1764）、法国的杜米埃（Honoré Daumier，1808—1879）和德国的柯勒惠支（Kaethe Kollwitz，1867—1945）。
宗教机构是艺术领域重要的赞助者。从基督教教堂到犹太教教堂，再到清真寺，各处都需要令人们得以与宗教信仰相遇的建筑。这些建筑的墙壁需要装饰，同时宗教机构还需要为宗教目的而制作图画及书籍，或许这应当被看作说教性的装饰。各种宗教故事尤其被大量没有文化的信徒所需要。中世纪的手稿为人们带来光明，正如《凯尔经》（Book of Kells）一样，还有那些雕刻在教堂外立面上的叙述性浮雕，例如法国的圣福瓦修道院表面的浮雕，讲述了许多中世纪的宗教信仰，并以其醉人的、富有表现力的形象征服了我们。
艺术，特别是所谓的原始装饰性艺术，可能是具有功能的。大水罐、壶、碗或是其他容器都兼具实用性和艺术性。一些早期制作的物品被用于今天难以想象的用途，例如一个苏美尔人的雕像是以所有者的名义提供给前来庙宇中祈祷的人的，否则它就将被掳夺至他处。此外，一件艺术作品也可能会用于鼓励生育，就像加纳阿善堤（Ashanti）地区的妇女用阿库阿巴娃娃求子一样。
许多文化都为它们已逝的先祖塑造形象。这一意图或许是用来表达对祖先的崇拜与尊敬，同时祈求受祖先的建议和庇佑。放在坟墓中用来帮助死者实现他们预期的来生的各种物件，在具有功能性的同时，也不失美感。考虑到埃及法老们的墓穴中那些极尽奢华的陪葬品，这些东西太过珍贵，因而，许多技巧的机关也被置于墓中来隐藏墓穴的位置。
艺术品会被用于记录事件。特别是军队的胜利，将得到人们的赞美，这能从位于伊朗波斯波利斯的波斯人宫殿墙面浮雕装饰中见到。位于罗马的图拉真凯旋柱上的浮雕刻画了图拉真胜利征服达契亚（今罗马西亚）的详细事迹。
一件艺术品还可以是一个法律文本，比如真实存在的《汉谟拉比法典》。而扬·凡·艾克（Jan Van Eyck，1385—1441）所画的乔瓦尼·阿尔诺芬尼（Giovanni Arnolfini）与珍妮·塞纳米（Jeanne Cenami）在他人见证之下交换结婚誓言的场景，也成为一桩婚姻证明。艺术品还用于记录人物（在画像和自画像中）、地点（在风景画和都市风光画中）和事物（在静物画中）。
但当我们把艺术品当作历史时，要多加小心。虽然像古老的谚语所说的那样，“一幅画抵得上千言万语”，留存至今的绘画、雕塑和建筑却并不能提供完整乃至公平的历史原貌。这种不可避免的偏见在很大程度上是来自在艺术领域中的那些“经过选择而得以留下的”东西。宫殿留了下来，而私家住宅很少存世。宗教机构积极地出资制作艺术品，而世俗的组织却很少这样做。特定文化的艺术品，比如古代埃及，倾向于用耐久性材料制成，并期望能够永远存留下去；相比而言，其他文化的艺术作品，比如撒哈拉以南非洲地区，则用无法长久保存的材料制成，仅希望其能用于仪式和庆典之时。他们的那些木制品或面具，没有一个想要展览在博物馆里。
接下来的几页里所讨论或用来举例的艺术作品将带你穿越千年时光并周游全球。试着欣赏这些由你不熟悉的文化所产生的艺术品，它们在空间、时间维度都距离遥远，对它们应保持开放和赞许的心态，至少要带着尊重之心，应欣赏到它们独有的美感和目的，而不是用21 世纪的想法来看待它们。
（二）艺术的美学元素
事实上，艺术的基本元素是被全世界以及各个时代所普遍采用的，这些基础性的组成部分包括：颜色、线条和形状、纹理、光线、空间、结构、情感。尽管这些元素能够被简洁地罗列出来，但这里没有一定之规，艺术毕竟不是科学。这是我们在欣赏、赞美、了解以及创作艺术作品时，需要在头脑中持有的观念。
艺术的基本元素被用于表现艺术作品的主题。一件表现出凝聚力的艺术作品被认为具有一致性—一种受青睐的品质。一位艺术家可以通过重复使用某些元素来打造一致性。例如华托（Jean-Antoine Watteau，1684—1721）的洛可可风格绘画《舟发西苔岛》（Pilgrimage to Cythera，图9–1），就由一笔一笔的重复的小曲线构成。色彩在普桑（Nicolas Poussin，1594—1665）的《台阶上的圣家族》（Holy Family on the Steps，1648）中创造了一致性。在这幅画中，红黄蓝三原色被用于绘制最重要的人物形象，并被次一级的色彩紫色、绿色和橙色所包围。毕加索（Pablo Picasso，1881—1973）的《弹曼陀铃的少女》（Woman with a Mandolin，1910）用形状和色彩创造了一致性，因为毕加索用大致相同的方式来处理人物形象和背景。
在雕塑领域，重复形状所形成的一致性由波丘尼（Umberto Boccioni，1882—1916）的《空间中连续的独特形式》（Unique Forms of Continuity in Space，1913）或考尔德（Alexander Calder，1898—1976）的移动雕塑《龙虾陷阱与鱼尾》（Lobster Trap and Fish Tail，1939）呈现出来。这些作品都用材料独有的曲线形状创作而成。在整件雕塑作品中，这些形状都非常相似而不具有突出的个性，然而却形成了一致性而非千篇一律。
同样的技巧也出现在建筑领域。位于印度阿格拉的泰姬陵，用持续性的色彩和许多大大小小的置于拱门上的圆形屋顶创造出一致性（图8–11）。以非常不同的建筑风格建成的北京紫禁城，形成了具有一致性的整体，这归功于其中各式各样的殿堂和宫室都使用了同样的形状和颜色（图6–16）。
特定的比例还能带来独特的美感。埃及的金字塔，尽管尺寸巨大，却是使用一种简单的比例建造出来的—它的高度与底座长度之比为7∶11。古希腊人用数学比率来论证他们的建筑，就像雅典人以此来论证帕特农神庙（Parthenon）一样。事实上，希腊人还用数学比例来评判理想的人体，用头的长度作为测量的基准单位。
艺术中使用的各种元素可以用来传达感情—从微妙到充满力量。在乔托（Giotto di Bondone，1266—1337）的《哀悼基督》（Lamentation over the Body of Jesus，1305—1308）中，绘画主题所蕴含的深切悲哀被以线条的使用加以强调—许多线条被画得下降到不寻常的高度并离开了中心焦点。与之形成对比的是，线条在乔治·修拉（Georges Seurat，1859—1891）的《喧嚣舞》（Le Chahut，1889—1890）中用来表达欢快的情感。在修拉笔下，欢乐的线条都指向上方，而伤感的线条都是下行的—在这幅作品中，线条、形状以及画中人物的动作都是向上的。当我们说一个人“感觉低沉”或“感觉闷闷不乐”，以及“高昂起头”或某些事情需要“尊敬”时，情感与动作之间的联系得到了确证。
色彩也在构筑情绪基调方面扮演了重要角色：乔托用单调的冷色，而修拉的色彩则温暖且高调。一个用色彩表达情绪的极端例子是毕加索的《悲剧》（The Tragedy，1903），全部用蓝色画成。我们说“忧愁的情绪”或“感觉忧郁”以及说某些人“有点忧郁”时，都用蓝色暗示了他们的忧伤。
各种各样的视觉元素也被艺术家用来向欣赏者传递作品的内容。意象是用来表现象征的术语，这在基督教艺术中有数不清的例子。其中比较典型的有苹果—基督教作品中常见的邪恶象征，因为苹果是伊甸园中禁止亚当和夏娃食用的东西，而且在基督教的语言拉丁文中，“malum”一词兼有“邪恶”与“苹果”的含义。不仅仅是苹果这样的事物，动物、颜色和数字也被赋予了宗教教义中的某些象征意味。一件艺术作品的含义将按照所使用的元素共同发挥的象征性来传达，实际上更应该说是被阐明。
各种不同的视觉元素被组合在一起的结果就形成了作品的风格。比较一下公元前900—前500 年间奥尔梅克统治者巨大的头颅石像以及公元330年左右完工的同样巨大的罗马皇帝君士坦丁的头像。二者在风格上的区别或许可以用它们在时间和空间上存在的极大差异来解释。然而，是个人风别的差异令罗丹（Auguste Rodin，1840—1917）的雕塑《吻》（The Kiss）和布朗库西（Constantin Brancusi，1876—1957）对同一个主题的处理产生了如此大的不同，尽管这两件雕塑被创作的时间和地理位置非常接近。罗丹的表现方式非常写实，而布朗库西则较为抽象。
（三）关于艺术的问题
以下是几个关于艺术的基础性问题。这些问题需要思考、牢记、考虑并进行讨论。对于这些问题，并没有绝对正确或错误的答案。
1. 艺术和美：艺术品一定要是美的吗？一定要漂亮？思考一下雷诺阿（Pierre-Auguste Renoir，1841—1919）的名画《游艇上的午餐》（Luncheon of the Boating Party，1881），这位画家说艺术品应该“漂亮”。但是，也考虑一下多那太罗（Donatello，1386—1466）的《抹大拉的马利亚》（Mary Magdalene，1453—1455），其中的人物很难被认为是“漂亮的”。这也引发了第二个问题。
2. 艺术和情感：一件艺术品必须要传递情感，或者引发情绪性的回应吗？《抹大拉的马利亚》制造了源于欣赏者内心深处的反映。但是，为了这个原因，或更胜一筹的，是例如波洛克（Jackson Pollock，1912—1956）的《灰色的彩虹》（Greyed Rainbow，1953）吗？
3. 艺术和信息：艺术作品一定具有含义？必须传递某种信息？它应该告诉欣赏者一些内容？那么，如果是这样的话，作品自身就必须制造全部的信息吗？还是欣赏者应当通过参与这个过程得到更多的东西？每位观看作品的人都能从波洛克的画中看出不同的内涵—那些只对观看者本人重要的含义。列奥纳多·达·芬奇（Leonardo da Vinci，1452—1519）曾说，那些你用自己的头脑创造出来的，才是最珍贵的东西。
4. 艺术和手工艺：是否应当在艺术与手工艺之间做出区分？在纯艺术和民间艺术之间呢？纯艺术能比手工艺或民间艺术或是所谓的原始艺术享有更高的地位吗？如果一名艺术家在具有使用功能的物体，比如一个用来放食物的盛器表面作画，会降低创作的“艺术性”吗？
5. 艺术和技术品质：手工技艺的优劣是评判艺术家的合理标准吗？一件被认真、熟练而精确加工过的艺术作品是不是比没有被这样加工的作品更好？技术水平对一件作品的价值而言，到底达到怎样重要的程度？还是说只有创意是最重要的？从历史角度来看，在中世纪和文艺复兴时期，并未完成的作品毫无价值；只有到最近一段时间，大师们未完成的或是用作准备的草图才被认为是有价值的
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